Cristo muerto - Andrea Mantegna

Pinacoteca de Brera
1470-74
Temple sobre tela
68 x 81 cm.

Composición ejecutada al temple sobre tela, que incluye uno de los escorzos más famosos de la historia de la pintura. El cadáver aparece sobre una mesa, cuya superficie lisa y rígida introduce un factor de expresión dramática. El cuerpo está visto desde los pies, de modo que sus dimensiones se acortan de forma brutal, como requieren los principios de la más estricta perspectiva. El original punto de vista determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua, por ejemplo las plantas de los pies –cuyos volúmenes y textura han sido descritos con detalle- o el torso modelado por una luz rasante. Las formas del rostro, el mentón, los labios, la nariz, se proyectan agresivamente hacia delante. Con la simplicidad de las superficies anatómicas contrasta el menudo plegado del paño que cubre la parte inferior del cuerpo, revelando la robustez de las piernas. La luz crea en la tela una variedad de efectos que se resuelven a modo de grisalla.

La Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del rostro, se halla a la izquierda, anegada en llanto. Su boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada. Escaso toques de color animan los rostros, de modo que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo. Al mismo propósito responde la cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies del Cristo, cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de cadáveres lacerados.

Piedad - Giovanni Bellini

Pinacoteca de Brera
1467-70
Tempera sobre madera
86 x 107 cm.

El cuadro presenta en tres cuartos de figura a la Virgen, Cristo muerto y san Juan ante un perfil de mármol que debe tomarse por el borde del sepulcro. María sostiene la mano diestra del cadáver, aproximando su rostro hacia él, mientras que el joven discípulo lo abraza por la cintura. En el lado izquierdo aparece un paisaje compuesto por un río, un camino, tierras de cultivo y varias edificaciones; dicha zona ha sido descrita con rigor caligráfico y espíritu lineal, bajo un celaje con nubes estratificadas. En el desnudo de Cristo, y sobre todo en su brazo izquierdo, se aprecia un interés por el modelado escultórico que sin duda procede del conocimiento y admiración de la obra de Donatello, especialmente el de los relieves de la Piedad realizados por dicho artista. Con este propósito monumental y realista contrasta la técnica de ejecución, a base de un rasgueado de pincel similar al de los pintores medievales y que puede compararse con los procedimientos utilizados por Crivelli. Un examen en detalle permite comprender la laboriosidad del trabajo de Bellini, que acumula en cada centímetro cuadrado de la superficie de esta tabla decenas de menudas pinceladas lineales que alternan los efectos de luz y sombra. Especialmente interesante es el virtuoso sistema de aplicación de las luces para realzar la corona de espinas, los cabellos y la barba de Cristo y la orla dorada del manto mariano.

Pareja de amantes venecianos - Paris Bordone

Pinacoteca de Brera
Hacia 1520-1530
Óleo sobre lienzo
81 x 86 cm.

Este cuadro es una de las obras más famosas del pintor. La afectuosa relación de la pareja expresa una sensualidad contenida, que recuerda algunas obras de Giorgione. La pasión deja paso a un idilio burgués. La delicada sensibilidad es característica de esta fase creativa del artista.

Adoración de los Reyes - Antonio Allegri da Correggio

Pinacoteca de Brera
1518
Óleo sobre lienzo
84 × 108 cm.

La Virgen, el Niño y san José se hallan al lado izquierdo de la composición, en los escalones de una construcción monumental en estado de ruina. Uno de los Magos se ha descubierto antes de postrarse ante el recién nacido, sobre el que gravita una nube grisácea formada por ángeles infantiles. A la derecha aparecen los otros Reyes, en actitud de marcha, seguidos por varios personajes de su séquito. Al fondo, junto a un caballo, un grupo de figuras descansa del largo viaje. El paisaje, con términos escarpados y lejanías azules, parece indicar el conocimiento y admiración de la obra de Mantegna por Correggio, quien pudo estudiarla en Mantua. Las gamas cromáticas y el procedimiento de sombreado revelan, por su parte, el influjo de la escuela ferraresa. Finalmente, de Leonardo proceden algunas de las actitudes de los personajes, por ejemplo la del que aparece en segundo término, en posición de señalar con el dedo índice extendido.