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jueves, 25 de mayo de 2017

El taller de Bazille - Frédéric Bazille

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Museo D’Orsay
1870
Óleo sobre lienzo
98 x 128,5 cm.
Pintado en 1870, es decir, el mismo año de la muerte de Bazille. Según indica el artista en una carta dirigida a su familia, Manet había querido intervenir en esta obra ejecutando la figura del protagonista, que se halla en pie junto al caballete. El interior corresponde al inmueble del 9 rue de la Condamine, estudio frecuentemente visitado por Manet y Monet, cuyos retratos ha dispuesto el autor al fondo de la pieza, discutiendo el cuadro que se halla en el caballete. Los restantes personajes son Edmon Maître, sentado al piano, Renoir, bajo la escalera, y probablemente Émile Zola, conversando con éste.

sábado, 14 de enero de 2017

El origen del mundo - Gustave Courbet

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Museo D´Orsay  
1866 
Óleo sobre lienzo 
46 x 55 cm.
El 26 de junio de 1995 se exponía por primera vez, en el Musée d'Orsay de París, L'origine du monde (El origen del mundo), una tela de Gustave Courbet pintada entre 1865 y 1866 y que llevaba 130 años oculta, sólo accesible a la mirada de sus sucesivos compradores. Durante mucho tiempo no sólo no había existido imagen pública de esa imagen púbica, sino que también había permanecido sin nombre, sin título, víctima de esa misma pudibundez que impide llamarle sexo al sexo y que impulsa a la invención de mil y un nombres, elusivos, poéticos o procaces, para referirse a la cosa. El pequeño cuadro de 55 por 46 centímetros reproduce el vientre de una mujer o, más concretamente, unas caderas y un pubis en el centro, los muslos en la parte inferior y el vientre y el torso, incluidos los pechos, en la superior. En el cuarto de baño del embajador turco Jalil-Bey, detrás de un cortinaje verde, quedará oculto el cuadro sin nombre ni firma. En 1868 el courbet pasa a manos de Jean Baptiste Faure, barítono de la ópera de París. Ahora el cuadro se esconde detrás de un paisaje nevado, obra del propio Courbet. Son pocos los que lo han visto, pero ha generado ya suficiente literatura, desde versos de Gautier hasta esa constatación de Edmond de Goncourt: "Un vientre tan bello como la carne de un correggio". Pero a la esposa del cantante no le gusta el tiempo que su marido pierde ante la tela, ni las risas de los amigos privilegiados que la descubren. En 1888, la pintura aun innominada está en posesión de un marchante, De la Narde, que la exhibe en la trastienda sólo a clientes de confianza. Hasta 1912 nada se sabe del cuadro, del que se rumorea que pudo haber pertenecido a un gobernador civil puritano y pervertido, a un ginecólogo que lo utilizaba como reclamo o a un burdel. En 1967, el sexólogo Zwang publica la primera foto de la obra. En 1977, por primera vez, la pintura es reproducida en un libro de arte. En 1988, el cuadro cuelga, también por vez primera, de las paredes de un museo: The Brooklyn Museum of Art. En 1994, Jacques Henric publica la novela Adoratíons perpétuelles, cuya cubierta reproduce la tela y lleva al secuestro del libro. El 26 de junio de 1995, el ministro de Cultura francés, Douste-Blazy, hace el discurso de ingreso de la tela en las colecciones nacionales. Evita ser fotografiado junto a ella y en su discurso se sirve de opiniones ilustres. No citó, sin embargo, la frase flaubertiana de Courbet: "El coño soy yo".

EL ORIGEN DEL MUNDO

A Felipe Benítez Reyes

No se trata tan sólo de una herida
que supura deseo y que sosiega
a aquellos que la lamen reverentes,
o a los estremecidos que la tocan
sin estremecimiento religioso,
como una prospección de su costumbre,
como una cotidiana tarea conyugal:
o a los que se derrumban, consumidos,
en su concavidad incandescente,
después de haber saciado el hambre de
la bestia, que exige su ración de carne
cruda.

No consiste tan sólo en ese triángulo
de pincelada negra entre los muslos,
contra un fondo de tibia blancura que se ofrece.

No es tan fácil tratar de reducirlo
al único argumento que se esconde
detrás de los trabajos amorosos
y de las efusiones de la literatura.

El cuerpo no supone un artefacto
de simple ingeniería corporal;
también es la tarea del espíritu
que se despliega sabio sobre el tiempo.

El arca que contiene, memoriosa,
la alquimia milenaria de la especie.

Así que los esclavos del deseo,
aunque no lo sospechen, cuando lamen
la herida más antigua, cuando palpan
la rosa cicatriz de brillo acuático,
o cuando se disuelven dentro de la hendidura,
vuelven a pronunciar un sortilegio,
un conjuro ancestral.

Nos dirigimos sonámbulos con rumbo
hacia la noche,
viajamos otra vez a la semilla,
para observar radiantes cómo crece
la flor de carne abierta.

La pretérita flor.
Húmeda flor atávica.
El origen del mundo.

Autor: Carlos Marzal

miércoles, 11 de enero de 2017

Almuerzo sobre la hierba - Édouard Manet

Almuerzo  sobre la hierba, Édouard Manet, Museo D´Orsay, 1863, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1863
Óleo sobre lienzo
208 x 264,5 cm.
La obra consagra a Manet como inspirador del naciente impresionismo. La obra se nos presenta como uno de los más característico ejemplos del propósito de objetividad pictórica que perseguía su autor. La técnica de realización del lienzo, ciertamente impersonal, responde a un deseo de plasmación científica de la realidad. Le interesaba a Manet reproducir lo más fielmente posible los valores tonales que capta nuestra retina, con toda sus gradaciones de luces y sombras; hasta la aparición de la paleta arco iris en la obra de Renoir, aquel interés sería compartido por todos los pintores del grupo impresionista. Es evidente que el tema no ha sido ejecutado del natural, al aire libre, sino en el estudio. Las figuras se superponen de forma artificial al paisaje, cuyo tratamiento perspectivo y cromático es subsidiario de la pintura flamenca del siglo XVII. El personaje de la derecha es Eugéne Manet, hermano del pintor, quien se halla acompañado por el escultor holandés Ferdinand Leenhoff y Victorine Meurent, modelo favorita del autor.

viernes, 30 de diciembre de 2016

El molino de la Galette - Auguste Renoir

El molino de la Galette, Auguste Renoir, Museo D´Orsay, 1876, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1876
Óleo sobre lienzo
131 x 175 cm.
Por su contenido festivo y anecdótico, favorecerían el que la opinión del público de la época se decantara finalmente por una tendencia que había hecho su aparición en el panorama de las exposiciones parisinas con aires inconformistas y revolucionarios. Renoir, que amaba los ambientes populares, realizó esta obra del natural. El escenario, con su luz matizada por el follaje, acoge a los tipos representativos de la clase media en sus actividades de una tarde de domingo. La mayor parte de los personajes aquí representados son, en realidad, amigos del pintor; la pareja que danza en primer plano, al lado izquierdo, está compuesta por el pintor español Pedro Vidal de Solares y Cárdenas y la modelo Margot. Al examinar en detalle ambas figuras se advierte claramente cuál es el fundamento de la técnica de Renoir, basada en la aplicación en trazos fundentes que, incluso en una reducida zona del lienzo, llegan a alcanzar el abanico espectral, el “arco iris”. La pincelada se desenvuelve con gran libertad de acción, sin respetar los contornos del dibujo previo. La luz que se ha filtrado por entre las hojas pone acentos de extraordinario verismo en las figuras, vibrantes de color.

Pueblo bretón bajo la nieve - Paul Gauguin

Pueblo bretón bajo la nieve, Paul Gauguin, Museo D’Orsay, 1894, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D’Orsay
1894
Óleo sobre lienzo
62 x 87 cm.
Supone un cambio temático con respecto a las obras precedentes. Pintado en 1894, durante el paréntesis en Europa, sirve para comprender la adaptabilidad de Gauguin a los escenarios más diversos. Es como si el autor hubiese retornado a sus primeros tiempos, refrescando un modo de ver el paisaje que merece el calificativo de impresionista y que puede relacionarse con el estilo de Pissarro. Hasta cierto punto constituye esta obra un ejercicio para olvidar el medio que el pintor ha abandonado, y al que pronto retornará para siempre.

lunes, 26 de diciembre de 2016

El Pífano - Edouard Manet

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Museo D’Orsay
1866
Óleo sobre lienzo
160 x 97 cm.
El pifano, retrato de un niño de la guardia imperial, figura entre las obras más populares de este artista. El niño aparece en pie, con la pierna izquierda ligeramente adelantada y el cuerpo arqueado en la misma dirección, aplicado a la tarea de arrancar las notas precisas de su instrumento. El uniforme y el gorro, galoneado en oro, constituyen el pretexto para un ejercicio de captación de luces que alcanza su máxima vibración en los botones metálicos y en el estuche de latón dorado que lleva el niño colgado en bandolera. El fondo gris uniforme sobre el que se recorta la figura se halla indudablemente tomado de retratos de Velázquez y de Goya, véase el cuadro Pablo de Valladolid en este mismo blog.

miércoles, 16 de noviembre de 2016

Mujeres de Tahití - Paul Gauguin

Mujeres de Tahití, Paul Gauguin, Museo D´Orsay, 1891, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1891
Óleo sobre lienzo
69 x 91,5 cm.
Lienzo que significa el primer contacto del pintor con un mundo que ha de cautivarle por su sencillez y autenticidad. En este medio cobra madurez y estilo definitivo su pintura. Gauguin ha encuadrado de forma muy estricta las dos figuras sentadas sobre la playa, de modo que sus formas llenan por completo el lienzo subrayando la noción de que constituyen tan solo un fragmento de la realidad. La franja de arena y el verde trazo de mar, con su calidad de superficies planas, establecen el contrapunto de las líneas curvas utilizadas en la construcción de las figuras.

miércoles, 9 de noviembre de 2016

Arearea - Paul Gauguin

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Museo D’Orsay
1892
Óleo sobre lienzo
75 x 94 cm.
Al primer viaje a Tahití corresponde esta obra, lienzo realizado en 1892 que muestra la inicial preocupación de Paul Gauguin por recoger las ceremonias que componen la trama de la vida insular. En el primer término aparecen un perro y dos figuras femeninas, una de ellas en actitud de tañer una flauta; al fondo, tres personajes veneran un ídolo monumental. La inserción de las figuras en el paisaje, compuesto por planos de diversas tintas planas, produce un efecto decorativo que tiene afinidades en las artes populares. Los propósitos perseguidos por el artista fueron explicados así: “Obtengo de la disposición de líneas y colores sinfonías y armonías que no representan nada real, en el sentido vulgar de la palabra, que no expresan directamente idea alguna, pero que deben hacer pensar al igual que hace pensar la música, sin apoyo de ideas o imágenes, simplemente por las afinidades misteriosas que existen entre nuestros cerebros y dichas disposiciones de colores y líneas.”

miércoles, 2 de noviembre de 2016

Bañistas - Paul Cézanne

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Museo D´Orsay
1890
Óleo sobre lienzo
60 x 82 cm.
A la última etapa de la pintura de Cézanne corresponden una serie de obras en las que aparecen desnudos en un escenario de paisaje y cuya composición está inspirada en cuadros de Giogione y de Tiziano. En esta tela, de reducidas dimensiones, se agrupan numerosas figuras, bajo un celaje compartido por las nubes y el azul. La realización tiende a resaltar por medio de líneas rotundas los contornos anatómicos del desnudo, cuyo canon y forma es trasunto del manierismo italiano. Hasta cierto punto, la figura que lleva un lienzo blanco en su brazo derecho recuerda los desnudos del Greco.

viernes, 28 de octubre de 2016

Los jugadores de cartas - Paul Cézanne

Los jugadores de cartas, Paul Cézanne, Museo D´Orsay, 1894-1895, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1894-1895
Óleo sobre lienzo
47,5 x 57 cm.
Esta obra constituye un ejemplo de lo que se ha denominado el periodo sintético de Cézanne. Para comprender el método del artista es oportuno señalar que este pequeño lienzo fue precedido por diversos estudios preparatorios, y que el tema originó, por lo menos, otras cuatro composiciones –con numerosas variantes- que constituyen una serie de inestimable valor documental. Este ejemplar sitúa a los dos jugadores sobre una mesa cubierta por un tapete rojo, con una botella de vino que apenas se recorta del arrimadero del fondo. Ambos personajes llevan sombrero; el que fuma una pipa de yeso puede identificarse con un amigo del pintor, “el padre Alexandre, jardinero”. La composición ha sido encuadrada al nivel del asiento de los jugadores y, por la derecha, mutilando la espalda del jugador de dicho lado.
La técnica de empaste del color es de extraordinaria riqueza. El conjunto produce un efecto de intensidad cromática que se confirma en una observación en detalle. Ciertas zonas de la composición, como la cabeza del “padre Alexandre”, carecen prácticamente de líneas de contorno, de modo que la forma se ha construido a base de un mosaico de pinceladas que tiene estructura reticular. El pintor utiliza valientes oposiciones tonales y permite que ciertos detalles –el ojo del personaje- queden tan solo sugeridos por manchas fluctuantes. Unos pocos toques de colores sordos sirven para producir el efecto de modelado. En otros lugares del cuadro, por el contrario, no ha desdeñado Cézanne emplear la línea, como en las mangas de las figuras, que ha perfilado con audaces trazos sinuosos. Todas estas circunstancias técnicas conducen a un resultado final de indudable monumentalidad.

jueves, 13 de octubre de 2016

La Bañera - Edgar Degas

La Bañera, Edgar Degas, Museo D´Orsay, 1886, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1886
Pastel sobre Cartón
60 x 83 cm.
Este pastel constituye un atrevido intento de dislocación perspectiva. Adopta el artista una posición que parece sugerir la observación por el ojo de la cerradura, a lo que contribuye la espontánea posición de la modelo, haciendo chorrear la esponja sobre su cuello. Desde este punto de vista, la mesa donde se hallan las jarras, un cepillo, tijeras y un postizo de pelo queda en un plano más elevado que la figura. Con objeto de suministrar claros elementos de interpretación compositiva, Degas ha permitido que el mango del cepillo y el asa de la jarra sobresalgan de la línea de dicha mesa. Su extraordinaria sensibilidad para captar el ambiente luminoso consigue transportar al espectador de esta obra al intimismo de una habitación femenina.

miércoles, 12 de octubre de 2016

Los tejados rojos - Camille Pissarro

Los tejados rojos, Camille Pissarro, Museo de D’Orsay, 1877, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo de D’Orsay
1877
Óleo sobre Lienzo
54,5 x 65,6 cm.
En este período la pintura de Pissarro busca constantemente los ambientes de atmósfera diáfana. Como demuestra esta pintura, no desdeña el artista plantearse cuestiones cromáticas de notable violencia, componiendo un mosaico en el que se oponen colores complementarios. La construcción del paisaje denota una geometrización de las formas sin duda debida a la relación con Cézanne y hasta cierto punto anómala en la producción de Pissarro. Es característico, sin embargo, su interés por la valoración del espacio atmosférico a través de la retícula que forman las desnudas ramas de los árboles.

El ajenjo - Edgar Degas

El ajenjo, Edgar Degas, Museo D´Orsay, 1876, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay  
1876
Óleo sobre Lienzo
92 x 68,5 cm.
Puede considerarse la obra más popular de Edgar Degas. Pone de manifiesto el interés característico de este artista por componer con intención narrativa los temas tomados de la realidad. En este caso, ha dedicado una zona importante de la superficie pictórica a describir los planos inanimados y monótonos de los veladores de un café, relegando voluntariamente las dos figuras a un rincón de la tela. El efecto expresivo es de una gran intensidad. Las superficies del mármol, vistas en perspectiva, son una especie de camino que conduce forzosamente la mirada del espectador hacia los dos protagonistas. Para dar una secuencia al espacio, ha situado el pintor entre las dos primeras mesas un periódico plegado, olvido de un cliente que establece un puente en este camino óptico. Y en el conjunto de tonos apagados reverbera tan solo la copa de ajenjo, nota central de la composición. Tras ella, los personajes, aislados en sus propios problemas, constituyen un simple esbozo de la fauna humana que ha engullido la gran ciudad.

martes, 11 de octubre de 2016

Bailarina con un ramo, saludando – Degas Edgar

Bailarina con un ramo, saludando, Degas Edgar, Museo D´Orsay, 1877, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D´Orsay
1877
Pastel sobre Lienzo
67 x 38 cm.
En las composiciones al pastel alcanza sin duda Degas su máxima capacidad técnica de difuminación de color y valoración del modelado por medio de efectos de luz difusa. En esta composición, el ejercicio consiste –como en tantas otras obras de su mano- en captar con el mayor verismo la artificiosa luz del teatro, cuyas candilejas proporcionan una iluminación opuesta a la cenital. En la bailarina principal se advierte, por ejemplo, que las sombras se hallan en la parte superior de los brazos y la cabeza, al contrario de lo que ocurre con las figuras al aire libre. Todo ello transmite la peculiar atmósfera de la escena, con el fondo colorista del decorado y la vivacidad cromática del vestuario. Al examinar la composición, de nuevo sorprende la falta de convencionalismos, el desapego del artista por las normas tradicionales, lo que le permite mutilar las figuras de acuerdo con sus conveniencias expresivas. Esta obra fue ejecutada sobre papel montado en tela.

Antes de la salida - Edgar Degas

Antes de la salida, Edgar Degas, Museo D’Orsay, 1862, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com, Galeria de pinturas, galería pinturas, Galeria,
Museo D’Orsay
1862
Óleo sobre lienzo
49 x 62 cm.
Los pintores realistas sintieron una enorme atracción por la vida moderna, especialmente por las escenas populares, como los campesinos de Millet, los vagones de tercera clase de Daumier o los picapedreros de Courbet. Degas se interesará por la vida de la clase burguesa, suponiendo esto una ruptura con el Realismo tradicional y un acercamiento a los conceptos del Impresionismo. Por eso él adopta como tema de este cuadro - y de otros muchos más - las carreras de caballos. Los hipódromos estaban de moda en aquellos momentos entre los burgueses de París, por lo que Degas busca en ellos su inspiración. Bien es cierto que su atracción por los caballos le llevó a copiar estampas inglesas de hípica, así como los equinos que aparecían en los cuadros de Delacroix. Por eso los caballos son los protagonistas de esta fría y nublada tarde. Estamos en el momento previo a la salida, con los caballos en reposo. Los jinetes son aficionados, inventándose Degas los tonos de sus camisas para jugar con los colores. Precisamente una de las mayores atracciones del artista serán los colores, empleando en este caso unas tonalidades brillantes para conseguir un efecto más atrayente para el espectador; de esta manera contrasta con las tonalidades oscuras del fondo, que dominan la mayor parte de la escena. Tras los caballos hay un grupo de espectadores, intuyéndose los elegantes vestidos de las damas, los sombreros y las sombrillas, a pesar de la pincelada suelta empleada para conseguir un efecto de perspectiva. Una de las principales novedades es haber cortado los planos pictóricos, debido a la influencia de la fotografía, cada vez más habitual para los pintores. En 1882 Degas se propuso recomponer la obra y trabajó en ella intensamente; añadió las chimeneas del fondo para dar un efecto más moderno e introdujo pinceladas más sueltas en esta zona.

Achille Emperaire - Paul Cézanne

Achille Emperaire, Paul Cézanne, Museo D´Orsay, 1867-1868, Caravaggio, Sevilla, Barroco, Barcelona, Madrid, España, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas más universales, los Museos más importantes, las Obras maestras. Artistas, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, París, Londres, Renacimiento, Impresionismo, Diseño, Poesía, Museo, Videos, New York, Florencia, Moscu, Viajes y más en Galerias de pintura, http://galeriasdepintura.blogspot.com
Museo D´Orsay
1867-1868
Óleo sobre Lienzo
200 x 120 cm.
La carrera de Cézzane se inicia con obras de neta inspiración literaria cuyas características formales lo sitúan más en la línea del expresionismo que en la del impresionismo. Muestra esta obra la imagen de un pintor de Aix-en-Provence que no ha pasado a la posteridad por sus propios méritos, sino tan sólo por haber servido de modelo a Cézzane. Sentado en un sillón de alto respaldo, el personaje recibe una dura iluminación procedente del lado izquierdo, la cual resalta crudamente la delgadez de sus manos y la cortedad de sus piernas, acentuando el valor de un rostro de inquietante arquitectura. El pintor persigue en la representación traducir los rasgos sicológicos del modelo.

lunes, 3 de octubre de 2016

El Ángelus - Jean Francois Millet

El Ángelus, Jean Francois Millet, Museo D´Orsay,  1857–1859, Paris, http://galeriasdepintura.blogspot.com
Museo D´Orsay
1857–1859
Óleo sobre lienzo
56 x 66 cm.
La depuración compositiva –dos figuras en pie ante un paisaje intrascendente- responde al deseo de dar todo su valor a una situación, el rezo, que es producto de vivencias religiosas. La calidad del dibujo y la eliminación del detalle accesorio compensan la falta de sensibilidad cromática.

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