Pequeña Crucifixión - Matthias Grünewald

National Gallery of Art Washington
Hacia 1510
Óleo sobre tabla
62 x 46 cm.

La composición -el Cristo, la Virgen, san Juan y la Magdalena ante un paisaje sombrío- es absolutamente tradicional y, a pesar de ello, este Calvario no puede ser más insólito por el sentimiento trágico que lo anima, por el horror que infunde y por el desgarro de su ejecución. La figura del Señor es de un patetismo inigualado, con el cuerpo lacerado, el rostro exangüe, los pies violentamente torcidos, los dedos crispados, en una repulsiva visión de la muerte. Las restantes figuras muestran un dolor desesperado, que se exterioriza en los gestos de caras y manos e incluso en el movimiento corporal.

A estas sensaciones contribuye la misma materia pictórica, áspera y desaliñada, pero con una tremenda fuerza plástica.

Autorretrato con halo - Paul Gauguin

National Gallery of Art Washington
1889
Óleo sobre madera
79,2 x 51,3 cm.

En éste autorretrato, los colores dominantes son un rojo y un amarillo vivísimos y enteros, que parten el cuadro por la mitad. A ellos se superpone la faz aguileña y snob del pintor con trazos rotundos y un modelado consistente. Pero además Gauguin se entrega al simbolismo y se adjudica los atributos que le revisten de la condición de nuevo Adán, junto a las manzanas que penden de una ramita y teniendo una serpiente entre los dedos. El reptil y los tallos de una extraña planta se combinan para formar un arabesco y establecer particiones tajantes del espacio pictórico, a la manera de los esmaltes alveolados.

Y todavía el autor se concede a sí mismo una aureola de santidad, flotante sobre su cabeza, en una curiosa exaltación de la propia personalidad.

Los amantes - Pablo Ruiz Picasso

National Gallery of Art, Washington
1923
Óleo sobre lienzo
130,2 x 97,2 cm.

En 1917 había viajado el artista y no fue insensible a las bellezas de la Antigüedad; las tomó como punto de partida para su personal investigación de la forma. Picasso no imita el arte clásico, sino que especula sobre él y a veces lo ironiza. Ha entendido muy bien que una de las normas es el equilibrio y pocas pinturas habrá tan equilibradas como ésta, tanto en la composición de las figuras como en la disposición de los colores. El arte antiguo se distingue también por su claridad y no es preciso insistir en la nitidez del grafismo picassiano en este caso. La contención en la expresión y en el movimiento, la armonía total son características por las que vemos que Picasso no se ha quedado en la apariencia formal del arte clásico, sino que ha penetrado en su espíritu y lo ha asimilado con la sensibilidad propia del artista y de su tiempo. En estas figuras de inspiración helenística parece reencarnarse el alma de Virgilio.

Familia de saltimbanquis - Pablo Ruiz Picasso

National Gallery of Art Washington
1905
Óleo sobre lienzo
212,8 x 229,6 cm.

Uno de los cuadros que más han contribuido a cimentar la fama de Picasso; es uno de los jalones firmes en la agitada evolución de su arte. A partir de 1902 se interesa por la vida del circo, por los payasos y acróbatas trashumantes, cuya sordidez dignifica con un halo pintoresco, sentimental y melancólico. Según su costumbre, toma numerosos apuntes, realiza estudios con variaciones, insiste sobre los mismos personajes a los que reconoceremos en varios cuadros y, en definitiva, se obstina en llegar hasta el final en el conocimiento de los modelos que ha elegido.

Establecido definitivamente en París desde 1904, al año siguiente concluye esta obra, en la que agrupa a todos sus saltimbanquis, tristes, estáticos, con sus trajes ajados y vistosos, ante un paisaje desolado y desértico, “en un entristecido cosmos”, como dice Rainer Maria Rilke en el poema que dedicó diez años más tarde a esta pintura.

Es el cuadro más representativo de la “época rosa”, como se llama a este período de la producción picassiana, en que trocó los colores intensos de su época azul por estos grises sonrosados de exquisita delicadeza.