Mujer desnuda en el sillón rojo - Pablo Ruiz Picasso

Tate Modern
1932
Óleo sobre lienzo
129,9 x 97,2 cm.

Picasso pinta a María Teresa Walter, muchacha de sencilla belleza, que le inspira obras en las que expresa sin rodeos una sensualidad callada y plena, a quien por su mata de pelo rubio es fácil de reconocer en diversos cuadros de mujeres durmiendo, echadas o sentadas.

Dentro de la ingente labor de Picasso, ésta es una época estilísticamente imprecisa, en la que se combinan ciertos resabios del cubismo con un desenfado y aun con una intención expresionista. Lo más característico de este cuadro es la superposición del perfil sobre el rostro de frente, dando a la fisonomía cierto aspecto lunar.

Naturaleza muerta con silla de rejilla - Pablo Ruiz Picasso

Museo Picasso de París
1912
Collage sobre lienzo
29 x 37 cm.

El cuadro tiene una forma particular: parece el asiento de una silla en el que se hubieran apoyado distintos objetos. Nace así el tema del fragmento recuperado de la cotidianidad. En la composición se han introducido también letras; en otras obras Picasso usa recortes de periódico, la paja de los asientos, materiales procedentes del mundo de la prensa. Este es el primer ejemplo de collage. La composición de formato oval está enmarcada por una cuerda; sobre ella se ha pegado un hule estampado con la rejilla de la silla. La gran innovación reside en la introducción en la obra de fragmentos heterogéneos procedentes de la realidad que «se representan» a sí mismos. Pueden observarse aquí todos los elementos de la fase sintética del cubismo: se intenta recuperar la forma que las fragmentaciones precedentes casi tradujeron a términos puramente abstractos; hay una menor descomposición de los planos de la realidad, una multiplicación de los puntos de vista y una abolición de la perspectiva lineal céntrica.

Dos desnudos - Pablo Ruiz Picasso

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1906
Óleo sobre lienzo
151,3 x 93 cm.

Corresponde este lienzo a la vertiente picassiana que se halla inspirada por el clasicismo antiguo. A pesar de su reducido tamaño, traducen las representaciones un deseo de gigantismo que es el rasgo más característico de este período. El canon y concepto anatómico de las figuras no guardan, sin embargo, relación alguna con los postulados del arte antiguo. Parece como si el autor hubiese querido demostrar la posibilidad de lo imposible, es decir, la posibilidad de crear belleza a partir de formas aberrantes. Y que la forma es el protagonista de la obra lo demuestra el hecho de que ésta se halle entonada en gamas rosadas, casi monocromáticas, con objeto de no distraer la atención del espectador de la esencial calidad representativa del cuadro. Por último, hay que señalar que el rostro del desnudo de la izquierda constituye un trasunto de los que Picasso pintó en su fase precubista, por ejemplo en Las señoritas de Avignon, si bien transformado gracias al tratamiento mórbido de los volúmenes por medio del claroscuro.

Mujer en camisa - Pablo Ruiz Picasso

Tate Modern
1905
Óleo sobre lienzo
72,7 x 60 cm.

Es el momento de su definitiva instalación en París, cuando Picasso, a sus veintitrés años y con los ojos bien abiertos, estudia a los maestros y asimila sus influencias para reducirlas a su propia genialidad. Corresponde esta composición a esa breve “época azul”, llamada así por el tono dominante en su paleta y en la que, como dice André Fermigier, “representa, dentro de una decoración intemporal, a una humanidad desmedrada, extenuada por el trabajo y el hambre”. En efecto, dentro de un espacio abstracto, vemos esta media figura de mujer casi desmaterializada, con expresión de honda melancolía en su agudo rostro.

Lo más sorprendente de este cuadro es la sobriedad de los medios que el pintor ha puesto a contribución para lograr tan emotivo resultado. Parece más la obra de un maestro maduro a quien le sobran los recursos y puede con su talento llegar a esta quintaesencia pictórica, que la labor de un joven artista que intenta abrirse camino en el mundo del arte.

Los dos hermanos – Pablo Ruiz Picasso

Museo de Arte de Basilea
1906
Óleo sobre lienzo
141,4 x 97,1 cm.

El cuadro es un ejemplo muy característico del llamado período rosa picassiano, en el que con una gama predominantemente cálida alcanza el artista un nuevo clasicismo, moderado en la forma y profundo en la intención. La figura del niño de mayor edad ha sido tratada con una riqueza de claroscuros (casi en grisalla) que puede compararse con obras del renacimiento italiano. La concreción del rostro contrasta con el carácter abocetado del niño que lleva a su espalda, y con la calidad meramente dibujística de otras zonas de la composición, en las que la línea apenas ha sido enmascarada por pinceladas de color extraordinariamente ligeras.

Los amantes - Pablo Ruiz Picasso

National Gallery of Art, Washington
1923
Óleo sobre lienzo
130,2 x 97,2 cm.

En 1917 había viajado el artista y no fue insensible a las bellezas de la Antigüedad; las tomó como punto de partida para su personal investigación de la forma. Picasso no imita el arte clásico, sino que especula sobre él y a veces lo ironiza. Ha entendido muy bien que una de las normas es el equilibrio y pocas pinturas habrá tan equilibradas como ésta, tanto en la composición de las figuras como en la disposición de los colores. El arte antiguo se distingue también por su claridad y no es preciso insistir en la nitidez del grafismo picassiano en este caso. La contención en la expresión y en el movimiento, la armonía total son características por las que vemos que Picasso no se ha quedado en la apariencia formal del arte clásico, sino que ha penetrado en su espíritu y lo ha asimilado con la sensibilidad propia del artista y de su tiempo. En estas figuras de inspiración helenística parece reencarnarse el alma de Virgilio.

Familia de saltimbanquis - Pablo Ruiz Picasso

National Gallery of Art Washington
1905
Óleo sobre lienzo
212,8 x 229,6 cm.

Uno de los cuadros que más han contribuido a cimentar la fama de Picasso; es uno de los jalones firmes en la agitada evolución de su arte. A partir de 1902 se interesa por la vida del circo, por los payasos y acróbatas trashumantes, cuya sordidez dignifica con un halo pintoresco, sentimental y melancólico. Según su costumbre, toma numerosos apuntes, realiza estudios con variaciones, insiste sobre los mismos personajes a los que reconoceremos en varios cuadros y, en definitiva, se obstina en llegar hasta el final en el conocimiento de los modelos que ha elegido.

Establecido definitivamente en París desde 1904, al año siguiente concluye esta obra, en la que agrupa a todos sus saltimbanquis, tristes, estáticos, con sus trajes ajados y vistosos, ante un paisaje desolado y desértico, “en un entristecido cosmos”, como dice Rainer Maria Rilke en el poema que dedicó diez años más tarde a esta pintura.

Es el cuadro más representativo de la “época rosa”, como se llama a este período de la producción picassiana, en que trocó los colores intensos de su época azul por estos grises sonrosados de exquisita delicadeza.

Autorretrato - Pablo Ruiz Picasso

Veletrzni Palace (Galería Nacional de Praga)
1907
Óleo sobre lienzo
50 x 46 cm.

El cuadro es del año 1907. Sabido es que la fecha tiene importancia fundamental para el estudio de cualquier producción del pintor malagueño a fin de situarla exactamente en el punto que le corresponda dentro de su vertiginosa evolución.

Todavía hay mucho de expresionista en la estilizada exageración de los rasgos faciales, pero éste es sólo un instrumento de que se vale Picasso para resolver los problemas de la construcción, que son los que realmente le interesan, una construcción analítica por planos. De aquí al cubismo no hay más que un paso, por lo que bien podemos calificar a este cuadro de precubista. El cubismo propiamente dicho nacerá inmediatamente, en la colaboración de Picasso con Braque.

Arlequín sentado - Pablo Picasso

Museo de Arte de Basilea
1923
Óleo sobre lienzo
130,2 x 97,1 cm.

Este óleo, que produce la impresión de un gouache sobre papel, se halla en la línea del más depurado clasicismo picassiano. El tema (repetido en varias ocasiones por el artista) pertenece al mundo del ballet.

Para este cuadro posó Jacinto Salvadó, a quien el pintor ha dispuesto sentado de medio lado sobre una silla cuyo respaldo es visible a la izquierda. Tiene las manos enlazadas, descansando sobre sus rodillas, y el rostro vuelto hacia la izquierda, en un perfil casi total, sometido a una iluminación que parece proceder de una ventana situada en aquel lado. La magistral modulación de luces y sombras proporciona a la figura plena entidad corpórea, a despecho de un procedimiento de ejecución que deja muchas zonas en estado de boceto, para establecer un contrapunto con la apurada realización del rostro. Las manos, por ejemplo, aparecen tan solo manchadas por colores primarios que dejan al descubierto la uniforme capa de color terroso que constituye la preparación del lienzo.

Guernica – Pablo Ruiz Picasso

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
1937
Óleo sobre lienzo
349,3 x 776,6 cm.

El artista inició su realización el 1º de mayo de 1937, dos días después de que se difundiera la noticia del bombardeo de la ciudad vasca, en un impulso de ira, desesperación y dolor, con el propósito, además, de lanzar al mundo un mensaje de solidaridad para con los refugiados de la guerra civil. Por ello, una vez concluido el enorme lienzo, Picasso lo prestó para una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El autor deseaba que el cuadro retornase a España, una vez restablecido el orden democrático, y así lo expresó en numerosas ocasiones a lo largo de su vida. Actualmente es la gran obra, se podría decir el buque insignia, del Museo de Arte Reina Sofía de Madrid. El proceso de gestación del cuadro fue laborioso y febril. Picasso comenzó por realizar un elevado número de bocetos de sus detalles, sobre papel, antes de acometer en blanco y negro el empaste de la gran tela. En total, se conocen más de un centenar de esbozos, los cuales propugnan soluciones compositivas muy distintas de la definitiva. El cuadro muestra de derecha a izquierda, los siguientes personajes: una mujer que se arroja desde un edificio en llamas con los brazos en alto; una figura femenina agachada, en actitud de correr hacia el centro del lienzo, sobre la cual aparece, por una ventana, la cabeza y el brazo de otra mujer que sostiene un quinqué; en la parte central, un caballo moribundo con una pica hincada en su lomo, entre cuyas patas aparece el cadáver desmembrado de un guerrero que aún empuña una espada rota; en el extremo izquierdo, una mujer con un niño muerto en los brazos, que se antepone a un toro que contempla la escena con aire triunfal; entre la cabeza de éste y la del caballo vuela un pájaro con el pico entreabierto. Preside el conjunto el ojo de la noche, su pupila es una bombilla eléctrica, sobre el vértice común de los cuatro triángulos compositivos del cuadro. Las actitudes de los personajes, la fragmentación de la obra y la textura pictórica proporcionan un patetismo paroxístico que acentúa el movimiento de las figuras. El cuadro fue expuesto por primera vez en el pabellón español de la Exposición Internacional de Paris, de 1937, y causó honda impresión, dada la actualidad del tema y la genial violencia expresiva con que había sido desarrollado. Fue, probablemente, esta obra la que sirvió para consagrar definitivamente al artista español y extender su influencia a los pintores que desde entonces hasta nuestros días han militado en el campo de la figuración.