Autorretrato - Albert Durero

Museo del Louvre
1493
Óleo sobre lienzo encolado
56,5 x 44,5 cm.

La fecha (1493) y la inscripción que figura junto a ella, en la parte superior del cuadro, indican que trata de una obra ejecutada para señalar el compromiso matrimonial del artista. La composición muestra al personaje en actitud de ofrecer una planta silvestre que en Alemania merece tradicionalmente la consideración de símbolo de la fidelidad conyugal. El autorretrato, finalmente, constituye un magnifico ejemplo de un ejercicio de introspección en su propia personalidad que el pintor desarrollaría en distintas etapas de su vida.

Descendimiento de la Cruz – Albert Durero

Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg
1499
Óleo sobre tabla
150 x 120,6 cm.   

En una esquina del sudario de Cristo, abajo junto a la corona de espinas, se ve el monograma de Durero. Una larga tradición atribuye a Durero esta obra, pero algunos estudiosos niegan la autografía de esta pintura, cuya ejecución atribuyen a un colaborador que mezcló la xilografía de la Gran Pasión y la tabla del Llanto Glimm. De la xilografía toma la estructuración general del paisaje, fuertemente italianizante, la pose de Cristo, y el esquema distributivo de las figuras; mientras que de la tabla toma las figuras de la Virgen, de la piadosa mujer y de José de Arimatea, reconocibles porque ambos tienen en la mano la vasija de los bálsamos destinados al cadáver de Cristo. En la parte inferior de la tabla aparecen, en actitud de oración, a la izquierda los varones y a la derecha las mujeres de la familia comitente Holzschuher-Gruber.

Adoración de la Santísima Trinidad - Albert Durero

Museo de Historia del Arte de Viena
1511
Temple y óleo sobre tabla
135 x 123 cm.

Abajo, a la derecha, junto al autorretrato del maestro se hallan la inscripción “ALBERTVS. DVRER / NORICVS. FACIE / BAT. ANNO. A. VIR/GINIS PARTV. / 1511” y el monograma. La advocación de la capilla, dedicada a la Trinidad y a Todos los Santos, proporcionó el tema del retablo, que es como una deslumbradora aparición celestial: Dios Padre, sobre cuya cabeza vuela suspensa una paloma con ornamentos imperiales, tiene entre las rodillas a Cristo crucificado, mientras unos ángeles dispuestos en corona despliegan su manto y sostienen los instrumentos de la Pasión; multitudes divididas en dos grupos adoran ese trono de misericordia; en la zona alta, a la derecha del Padre, la Virgen guía a las santas mártires, y a la izquierda el Bautista conduce a profetas, profetisas y sibilas; en la zona inferior, los creyentes; a la izquierda, eclesiásticos guiados por dos papas; a la derecha, laicos de toda condición social tras un emperador y un rey. La exigua banda de paisaje bajo la visión celestial está vacía de hombres y cosas, con excepción de la figura del artista y del cartel con la inscripción. La elaborada composición, de erudita tarea iconografía, se funda en la doctrina de san Agustín, según la cual la civitas Dei, fundada por Abel y gobernada por Cristo, vive a medias entre el cielo y la tierra, mezclada con la civitas terrena fundada por Caín y gobernada por el Demonio; sólo después del Juicio Final se llegará al verdadero y único Estado de Dios; y aquí, quizá por primera vez en la historia de la pintura, Durero lo anticipa. Es sin duda la obra más solemne del maestro, la más selecta expresión de su Renacimiento, por la casi alucinante realización en perspectiva del grupo inferior y por la distribución de planos en profundidad,

Autorretrato - Albert Durero

Alte Pinakothek de Munich
1500
Óleo sobre tabla
67 x 49 cm.

Firmado en monograma y fechado en 1500. En el lado derecho existe una inscripción que documenta la personalidad del retratado y su edad, veintiocho años. Lo realizó a su regreso del primer viaje a Italia, por tanto el cuadro refleja recuerdos de los estilos que Durero conoció en aquel país y la influencia de la escuela lombarda. A ella corresponderá la disposición frontal y simétrica del retrato, y su inexpresividad. Ejecutado con una precisión y virtuosismo que constituyen el marchamo del artista.

Cristo bajado de la cruz - Albert Durero

Alte Pinakothek de Munich
1500
Óleo sobre tabla
151 x 121 cm.

Obra conocida también por el titulo de Descendimiento Glimm, es uno de los ejemplos del interés científico que Alberto Durero sentía por los problemas compositivos. Los personajes se agrupan en torno al cadáver de Cristo, formando una masa piramidal de gran regularidad cuyo ritmo determina el del paisaje del fondo, el contorno de la orilla del lago, la topografía de la ciudad de Jerusalén, sobre una colina asimismo piramidal, y el perfil de las montañas que cierran el horizonte, repitiendo como un eco el mensaje geométrico del grupo de figuras del primer término. Este procedimiento de reiteración del patrón piramidal se conjuga con un tratamiento del espacio en planos diferenciados por su cromatismo. La abigarrada policromía del primer término tiene como fondo inmediato una zona en la que se imponen los verdes de la vegetación; más lejos, la ciudad de Jerusalén es una eminencia agrisallada, de gélida transparencia, sobre un telón de montañas a las que una luz argéntea confiere total irrealidad. Existe, en suma, una concepción global del mensaje pictórico, que en esta obra adquiere un tono sinfónico. El cuadro fue encargado a Durero por Albrecht Glimm, cuyo retrato, junto con el de sus hijos y esposa, Margareth Holtzmann, aparece en la parte baja, con los correspondientes escudos familiares.

Jesús entre los Doctores - Albert Durero

Museo Thyssen-Bornemisza
1506
Óleo sobre tabla.
64,3 x 80,3 cm.

Además del monograma y la fecha, en la hojita que sobresale de un libro, abajo a la izquierda, aparece la inscripción autógrafa: “opus quinqué dierum”. La idea compositiva es sin duda italiana en el ceñido grupo de medias figuras, pero la traducción es fundamental y musicalmente gótica, con las figuras fluctuantes, en el espacio y escalonadas casi sin perspectiva, dispuestas como anillo mágico, como esquema entre decorativo y simbólico en torno a las cuatro manos centrales.

Altar de Dresde - Albert Durero

Gemäldegalerie Alte Meister
1496-1497
Temple sobre lienzo
114 x 96,5 cm.

En el centro, la Adoración del Niño, y en los laterales, san Antonio, a la izquierda y a la derecha san Sebastián.

Son visibles elementos flamencos en el anecdótico san José y en el tipo físico de la Virgen. En el abultado rostro de la Virgen, casi vulgar en la placidez de la adoración, tal vez envilecido por el tiempo al resecarse y oscurecerse los tenues colores al temple. Aparte de la sabiduría pictórica y del dibujo, aparte de la iconografía narrativa, que nos parece inusitada, la carga patética, la atmósfera de vida y de muerte, crepuscular y extraña, fueron ciertamente deseadas y creadas como tales por Durero; esta Adoración sin alegría de un niño demasiado pequeño y tan profundamente dormido que parece un pequeño cadáver, recuerda la comparación teológica entre el sueño de la infancia y el de la muerte; recuerda el corporal de la liturgia, el pequeño mantel que el sacerdote extiende sobre el altar para colocar la hostia consagrada y que simboliza los pañales de Jesús niño y el sudario de Cristo muerto. Adoración y Llanto se unen así; y por algo las Vírgenes venecianas que adoran al Niño dormido en sus regazos evocan irresistiblemente la imagen de la Piedad.

Adán y Eva - Albert Durero

                                                            Museo del Prado

1507

Óleo sobre tabla

209 x 81 y 80 cm.

La fecha de ejecución queda claramente expresada en la leyenda que aparece en el cartellino colgado de una rama del árbol que acompaña la efigie de Eva:  "Alberto Durero, alemán, la pintó después del parto de la Virgen, en el año del Señor de 1507". Ambos cuadros como requiere su condición de pareja, adoptan una composición similar; la posición de los cuerpos obliga a situar la representación de Adán a la izquierda y la de Eva a la derecha. La figura masculina se halla en actitud estática sobre un suelo pedregoso, con el torso y la cabeza ligeramente inclinados, de modo que el brazo y pierna diestros se separan del cuerpo. En la mano izquierda sostiene una rama del árbol del bien y del mal con el fruto prohibido; sus hojas cubren accidentalmente el sexo del varón. La disposición frontal queda dislocada por la visión en escorzo de los pies y las manos, que proporcionan el necesario pálpito vital a la figura. El rostro de Adán es descrito desde un plano inferior, por lo que su mandíbula adquiere una proyección que proporciona monumentalidad a la figura. Las facciones aparecen modeladas con magistral gradación de claroscuros y encuadradas por las guedejas rubias del cabello, descrito con gran minucia. La efigie de Eva se yergue asimismo sobre un suelo pedregoso, ante un homogéneo fondo negro. Su actitud comporta cierto grado de dinamismo, ya que la pierna derecha adelantada sugiere el inicio del movimiento, al tiempo que las manos indican todavía la permanencia de la figura en el lugar donde se ha situado su representación. La serpiente, encaramada al árbol, le ofrece pérfidamente la fruta prohibida. La simplicidad aparente de las figuras encubre, en realidad, un completo estudio de las anatomías, el modelado, el juego de los volúmenes y el equilibrio compositivo, el valor del espacio.

Autorretrato - Albert Durero

Museo del Prado
1498
Óleo sobre tabla
52 × 41 cm.

El cuadro ofrece una imagen fidedigna (así lo hizo constar su autor en la inscripción que existe junto al alféizar de la ventana) del máximo representante del arte renacentista alemán. Hombre de múltiples conocimientos e inquietudes, su actividad se desarrollo no sólo en el campo de la pintura, sino también en el del grabado y las artes decorativas. La media figura, en tres cuartos de perfil, ante un fondo arquitectónico liso que se abre al paisaje por la ventana de la derecha, compendia los principios fundamentales del retrato veneciano y lombardo.