Retrato del dux Leonardo Loredan - Giovanni Bellini

National Gallery de Londres
1501-1504
Óleo y temple sobre tabla
62 x 45 cm.

Bellini trató al estadista con un criterio al que conviene el calificativo de estatuario. El dux ha sido representado en busto, tras un antepecho en el que aparece la firma del autor en un cartellino; viste un suntuoso atavío de seda brocada y un casquete que se eleva en forma cónica en su parte posterior. Los rasgos de Leonardo Loredan están tratados con un modelado severo y concreto, a base de una luz lateral que crea sombras acusadas pero transparentes. La expresión es serena y se halla dominada por el gesto rectilíneo de la boca, que revela un carácter autoritario, y la intensidad de los ojos, plasmación de la inteligencia del retratado. A pesar del detalle con que Bellini describió la ornamentación de su indumentaria, la atención del espectador es captada por la personalidad de este rostro maduro, que fue convenientemente realzado por un simple fondo azul que aumenta de densidad en sentido de la altura. Es éste uno de los retratos más impresionantes de la pintura veneciana de todos los tiempos.

El Santo Entierro - Miguel Ángel Buonarroti

National Gallery de Londres
1500-01
Óleo sobre madera
161,7 x 149,9 cm.

Representa el momento en que el cadáver de Cristo, sostenido por san Juan, Nicodemo y José de Arimatea, va a ser depositado en el sepulcro. En la parte inferior izquierda aparece María Magdalena, y a la derecha la virgen arrodillada, tras la que existe otra figura femenina, María Salomé o María, la hermana de Marta.

El Temerario remolcado al dique seco - Joseph Mallord William Turner

National Gallery Londres
1838
Óleo sobre lienzo
91 x 122 cm.

La composición tiene un simbolismo de cuño romántico, puesto que representa el último viaje de un viejo navío de combate, el “Temerario”, hacia el dique seco en que va a ser desguazado. El glorioso buque había desempeñado un importante papel en la batalla de Trafalgar; fue dado de baja de la marina británica en agosto de 1838, e inmediatamente, remolcado a Rotherhithe, donde se procedió a su despiece. El contraste entre las formas estilizadas, fantasmagóricas, del velero y la pesadez del remolcador a vapor expresa la oposición entre dos épocas de la navegación. La disposición de ambos barcos, ante un horizonte en el que el sol aparece en su ocaso, señala que el “Temerario” no pudo seguir tal curso en su último viaje. Ello subrayaría la arbitrariedad del pintor, cuyos paisajes son casi siempre imaginarios.

Alegoría del Amor y del Tiempo - Angelo Bronzino

National Gallery de Londres
1540-1550
Óleo sobre Tabla
116 x 146 cm.

La composición muestra en el centro a Venus desnuda; sostiene en su mano derecha una de las flechas de Cupido y en la izquierda una bola de oro. El dios del amor la besa en la boca, abrazándola por el seno y la cabeza. Las dos figuras principales se hallan sobre un fondo compuesto por un lienzo azul y un cojín de seda roja, tras el que aparece, en la parte superior, la venerable efigie del Tiempo, caracterizada por el reloj de arena. A la derecha, detrás de la diosa, camina un amorcillo que se dispone a arrojar un puñado de rosas; esta figura infantil lleva cascabeles en torno al tobillo y ha pisado un haz de espinas con su pie derecho. Le sigue un extraño personaje de rostro femenino y cuerpo de lagarto, el cual tiene en sus manos un panal y una garra de ave de presa. En el lado izquierdo, recortado por el perfil del cuerpo y del ala de Cupido, hay un hombre, símbolo de la mentira y de los celos, que se mesa los cabellos con desesperación, su rostro crispado por una horrible mueca. El cuadro debe tomarse como símbolo de que el placer que produce el amor se convierte con el tiempo en celos y desespero.

La Venus del Espejo – Diego Velázquez

National Gallery de Londres
1648
Óleo sobre lienzo
122 x 177 cm.

Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama. Existen numerosas referencias en la obra a pintores como: Rubens, Tiziano, Giorgione e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño. Venus, la diosa del amor, era la más hermosa de las diosas, y fue considerado como una personificación de la belleza femenina. Ella se muestra aquí con su hijo Cupido, que está en posesión de un espejo para mirarse así misma en el visor.