Retrato del dux Leonardo Loredan - Giovanni Bellini

National Gallery de Londres
1501-1504
Óleo y temple sobre tabla
62 x 45 cm.

Bellini trató al estadista con un criterio al que conviene el calificativo de estatuario. El dux ha sido representado en busto, tras un antepecho en el que aparece la firma del autor en un cartellino; viste un suntuoso atavío de seda brocada y un casquete que se eleva en forma cónica en su parte posterior. Los rasgos de Leonardo Loredan están tratados con un modelado severo y concreto, a base de una luz lateral que crea sombras acusadas pero transparentes. La expresión es serena y se halla dominada por el gesto rectilíneo de la boca, que revela un carácter autoritario, y la intensidad de los ojos, plasmación de la inteligencia del retratado. A pesar del detalle con que Bellini describió la ornamentación de su indumentaria, la atención del espectador es captada por la personalidad de este rostro maduro, que fue convenientemente realzado por un simple fondo azul que aumenta de densidad en sentido de la altura. Es éste uno de los retratos más impresionantes de la pintura veneciana de todos los tiempos.

El Santo Entierro - Miguel Ángel Buonarroti

National Gallery de Londres
1500-01
Óleo sobre madera
161,7 x 149,9 cm.

Representa el momento en que el cadáver de Cristo, sostenido por san Juan, Nicodemo y José de Arimatea, va a ser depositado en el sepulcro. En la parte inferior izquierda aparece María Magdalena, y a la derecha la virgen arrodillada, tras la que existe otra figura femenina, María Salomé o María, la hermana de Marta.

El Temerario remolcado al dique seco - Joseph Mallord William Turner

National Gallery Londres
1838
Óleo sobre lienzo
91 x 122 cm.

La composición tiene un simbolismo de cuño romántico, puesto que representa el último viaje de un viejo navío de combate, el “Temerario”, hacia el dique seco en que va a ser desguazado. El glorioso buque había desempeñado un importante papel en la batalla de Trafalgar; fue dado de baja de la marina británica en agosto de 1838, e inmediatamente, remolcado a Rotherhithe, donde se procedió a su despiece. El contraste entre las formas estilizadas, fantasmagóricas, del velero y la pesadez del remolcador a vapor expresa la oposición entre dos épocas de la navegación. La disposición de ambos barcos, ante un horizonte en el que el sol aparece en su ocaso, señala que el “Temerario” no pudo seguir tal curso en su último viaje. Ello subrayaría la arbitrariedad del pintor, cuyos paisajes son casi siempre imaginarios.

Mujer desnuda en el sillón rojo - Pablo Ruiz Picasso

Tate Modern
1932
Óleo sobre lienzo
129,9 x 97,2 cm.

Picasso pinta a María Teresa Walter, muchacha de sencilla belleza, que le inspira obras en las que expresa sin rodeos una sensualidad callada y plena, a quien por su mata de pelo rubio es fácil de reconocer en diversos cuadros de mujeres durmiendo, echadas o sentadas.

Dentro de la ingente labor de Picasso, ésta es una época estilísticamente imprecisa, en la que se combinan ciertos resabios del cubismo con un desenfado y aun con una intención expresionista. Lo más característico de este cuadro es la superposición del perfil sobre el rostro de frente, dando a la fisonomía cierto aspecto lunar.

Cosacos - Wassily Kandinsky

Tate Modern
1910-11
Óleo sobre Lienzo
94,6 x 130 cm.

Es ésta una de las “abstracciones objetivas”, en las que tiene primordial importancia la ordenación dinámica de colores y líneas, aun permaneciendo ciertos elementos representativos como puntos de contacto con la realidad. Por las manchitas rojas de sus gorros, se puede identificar arriba a dos cosacos a caballo luchando con sables; otros tres a la derecha, dos de los cuales llevan grandes lanzas; encima, un castillo sobre el que revolotea una bandada de pájaros; en el centro, el arco iris sobre las montañas. Pero todo ello reducido a leves alusiones respecto al natural, a punto de convertirse en simples signos. El afán del pintor se dirige preferentemente al movimiento de las líneas y a la significación de los colores.

Mujer en camisa - Pablo Ruiz Picasso

Tate Modern
1905
Óleo sobre lienzo
72,7 x 60 cm.

Es el momento de su definitiva instalación en París, cuando Picasso, a sus veintitrés años y con los ojos bien abiertos, estudia a los maestros y asimila sus influencias para reducirlas a su propia genialidad. Corresponde esta composición a esa breve “época azul”, llamada así por el tono dominante en su paleta y en la que, como dice André Fermigier, “representa, dentro de una decoración intemporal, a una humanidad desmedrada, extenuada por el trabajo y el hambre”. En efecto, dentro de un espacio abstracto, vemos esta media figura de mujer casi desmaterializada, con expresión de honda melancolía en su agudo rostro.

Lo más sorprendente de este cuadro es la sobriedad de los medios que el pintor ha puesto a contribución para lograr tan emotivo resultado. Parece más la obra de un maestro maduro a quien le sobran los recursos y puede con su talento llegar a esta quintaesencia pictórica, que la labor de un joven artista que intenta abrirse camino en el mundo del arte.

Alegoría del Amor y del Tiempo - Angelo Bronzino

National Gallery de Londres
1540-1550
Óleo sobre Tabla
116 x 146 cm.

La composición muestra en el centro a Venus desnuda; sostiene en su mano derecha una de las flechas de Cupido y en la izquierda una bola de oro. El dios del amor la besa en la boca, abrazándola por el seno y la cabeza. Las dos figuras principales se hallan sobre un fondo compuesto por un lienzo azul y un cojín de seda roja, tras el que aparece, en la parte superior, la venerable efigie del Tiempo, caracterizada por el reloj de arena. A la derecha, detrás de la diosa, camina un amorcillo que se dispone a arrojar un puñado de rosas; esta figura infantil lleva cascabeles en torno al tobillo y ha pisado un haz de espinas con su pie derecho. Le sigue un extraño personaje de rostro femenino y cuerpo de lagarto, el cual tiene en sus manos un panal y una garra de ave de presa. En el lado izquierdo, recortado por el perfil del cuerpo y del ala de Cupido, hay un hombre, símbolo de la mentira y de los celos, que se mesa los cabellos con desesperación, su rostro crispado por una horrible mueca. El cuadro debe tomarse como símbolo de que el placer que produce el amor se convierte con el tiempo en celos y desespero.

La Venus del Espejo – Diego Velázquez

National Gallery de Londres
1648
Óleo sobre lienzo
122 x 177 cm.

Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama. Existen numerosas referencias en la obra a pintores como: Rubens, Tiziano, Giorgione e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño. Venus, la diosa del amor, era la más hermosa de las diosas, y fue considerado como una personificación de la belleza femenina. Ella se muestra aquí con su hijo Cupido, que está en posesión de un espejo para mirarse así misma en el visor.

El aguador de Sevilla - Diego Velázquez

Apsley House
1620
Óleo sobre lienzo
106,7 x 81 cm.

 Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un  jarro, por  lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en las gotas y mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o  los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra.

Aníbal y su ejército cruzan los Alpes - Joseph Mallord William Turner

Tate Britain
1812
Óleo sobre lienzo
146 x 237 cm.

La travesía de los Alpes con elefantes es el episodio más famoso y recordado de las hazañas de Aníbal. Todas las fuentes coinciden en el hecho de que este logró pasar de Francia a Italia superando el obstáculo natural de los Alpes, aunque allí perdió a la mayoría de los elefantes. El pintor inglés Turner se detiene en esta travesía y, con espíritu romántico, pone en evidencia la desproporción entre el grupo de hombres que se afanan y la formidable tempestad de nieve, cuya turbulencia simboliza la precariedad del destino humano. «Astucia, traición y engaño; las fuerzas de los salasses se abaten sobre la retaguardia extenuada», escribe Turner sobre la escena representada en el cuadro. Así, los guerreros que se ensañan con las víctimas del primer plano son de la tribu de los salasses, una antigua población alpina que peleó contra el ejército de Aníbal. A su lado se ve un elefante abatido. En medio de la tormenta y los torbellinos asoma un pálido sol, que ilumina un amplio valle; es Italia, la meta de Aníbal. Las tropas de retaguardia avanzan en la neblina con aire poco marcial; un soldado intenta iluminar el camino con una antorcha, y las enseñas, orgullo de los ejércitos antiguos, han quedado en segundo plano.

Agripina llega con las cenizas de Germánico - Joseph Mallord William Turner

Tate Britain
1839
Óleo sobre lienzo
914 x 1,219 cm.

Agripina, esposa de Germánico Julio César, muerto en el curso de una expedición a Antioquia, lleva a Roma las cenizas de su marido. La escena evocada y la representación de la ciudad antigua, ejecutada de acuerdo con una visión más imaginativa que arqueológica, no deben hacer olvidar la belleza del paisaje urbano. Turner añadió al cuadro esta leyenda: “El río de límpidas aguas, Sí… El Tiber dorado bajo su rayo centellea, aunque el sol ya declina.”