Tesoros de la Hispanic Society of America, Visiones del mundo hispánico

Miguel Falomir, Director del Museo Nacional del Prado y Mitchell A. Codding, Director de la Hispanic Society of America, comentan la exposición "Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico".

Del 4 de abril al 10 de septiembre de 2017, el Museo del Prado acoge, en las salas A, B y C del edificio Jerónimos, los tesoros del Museo y Biblioteca de la Hispanic Society, una institución centenaria, ubicada en la parte alta de Manhattan, en Nueva York, que abrió sus puertas en 1904 por el empeño personal de Archer Milton Huntington (1870-1955). Este coleccionista e hispanista americano quiso crear una institución que, a través de una biblioteca y unas colecciones de arte elegidas de manera erudita y sistemática, fomentara la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

“Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico” propone, a través de más de doscientas obras que incluyen pinturas, dibujos y esculturas, piezas arqueológicas y de artes decorativas, además de textiles y mobiliario y manuscritos y documentos de su biblioteca, un fascinante recorrido cronológico y temático por lo más representativo de sus vastas colecciones.

Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.

Más información sobre la exposición:

https://www.museodelprado.es/actualid...

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Más información sobre The Hispanic Society of America: http://hispanicsociety.org/

Subtítulos disponibles en inglés y español.

Treasures from the Hispanic Society of America

Miguel Falomir, Director of the Museo Nacional del Prado and Mitchell A. Codding, Director of The Hispanic Society of America, comments on exhibition "Treasures from the Hispanic Society of America. Visions of the Hispanic World".

Through September 10, the Museo del Prado will, in galleries A, B and C of the Jerónimos building, house the treasures of the museum and library of the Hispanic Society, an institution located in Upper Manhattan in New York, founded in 1904 by Archer Milton Huntington (1870-1955), one of America’s greatest philanthropists. He created an institution that reflected an appreciation of Spanish culture and the study of the literature and art of Spain, Portugal and Latin America.

“Treasures of Hispanic Society of America. Visions of the Hispanic World” brings together more than two hundred works of art including paintings, drawings, and sculpture; archaeological artifacts and decorative arts, liturgical vestments, furniture and manuscripts from the library, creating a fascinating chronological and thematic experience of the highlights of their vast collections.

More information about the exhibition:

https://www.museodelprado.es/en/whats...

Book your ticket in advance: https://www.entradasprado.com

More information about The Hispanic Society of America: http://hispanicsociety.org/

Spanish and english subtitles available.

Una historia de la Hispanic Society

Una historia de la Hispanic Society narrada por Philippe de Montebello, Mitchell A. Codding, Marcus B.Burke y Patrick Lenaghan. En inglés con subtítulos en español.

Documental producido por el Museo del Prado y patrocinado por la Fundación BBVA, con motivo de la exposición Tesoros de la Hispanic Society of America. Bajo la dirección artística de Francesco Jodice, la cinta traslada al visitante al Nueva York de principios de siglo, momento y lugar claves para la historia de la Hispanic Society.

Este documental contextualiza el origen de la temprana vocación coleccionista de Archer Milton Huntington; la construcción e inauguración de la sede de la Hispanic; su colección y el fantástico fondo de su biblioteca; sus relaciones con España a través de Alfonso XII y los grandes intelectuales españoles de la época; su amistad con Sorolla en Nueva York; y la filantropía de este gran mecenas que quiso mantener el anonimato durante toda su vida. Todo ello relatado por su director actual, Mitchel Codding, el presidente del patronato Philippe de Montebello y los conservadores.

El documental de 20 minutos aproximados de duración ha sido rodado entre Nueva York y el Museo del Prado, en inglés con subtítulos en español.

La Sociedad Hispánica de América (Hispanic Society of America) es un museo gratuito y biblioteca de investigación para el estudio de las artes y cultura de España, Hispanoamérica y Portugal. Está situada en la ciudad de Nueva York.

Fundada por Archer Milton Huntington el 18 de mayo de 1904, abrió sus puertas en su edificio estilo Beaux-Arts, que es aún hoy su sede, en 1908, en la llamada Audubon Terrace, situada en la avenida Broadway entre las calles 155 y 156 de Nueva York. La Sociedad Hispánica cuenta con un museo, una biblioteca y el seminario de estudios hispánicos medievales (Hispanic Seminary of Medieval Studies), que es considerado como una de las más prestigiosas editoriales en su campo. Aunque su nombre se refiere a una "sociedad", y el fundar una sociedad dedicada al estudio de España fue una de los metas de Huntington, jamás ha funcionado como tal. Los miembros de la sociedad -completamente honorífica- los escogen los bibliotecarios.

En 2017, una selección de más de 200 piezas destacadas de la institución se expone en el Museo del Prado de Madrid, coincidiendo con unos trabajos de reforma en la sede de Nueva York. Posteriormente la exhibición pasará por varios museos de Estados Unidos y se baraja también llevarla a México.

Fuentes: Museo del Prado, YouTube, Wikipedia

El Retrato de Adele Bloch-Bauer - Gustav Klimt

Neue Galerie
1907
Óleo, plata y oro sobre lienzo
140 x 140 cm.

Forma parte del llamado «período de oro». El vestido de la mujer, ricamente decorado, se funde con el sillón, que la envuelve como una capa y se refleja en la intensa luminosidad del fondo.

Tocador de mandolina - Georges Braque

Museo de arte moderno de Nueva York
1912
Óleo sobre lienzo
116,2 x 80,9 cm.

Corresponde a la primera etapa cubista de Georges Braque, que se ha dado en denominar “analítica” o “hermética”. Se caracteriza el cuadro por el sentido de monumentalidad que preside la composición, la cual por otra parte, resulta absolutamente indescifrable. Las formas han sido despiezadas en facetas menudas y de luminosidad vibrante, que sugieren la visión simultánea, a través de un prisma, del mismo objeto. Los volúmenes se reducen a una geometría de ángulos agudos y de acentos curvilíneos apenas perceptibles. Gracias a la utilización de un toque divisionista, la superficie del cuadro es, a la vez, homogénea y variada. Todo ello confirma la preocupación de Braque por describir el espacio que existe entre los objetos y en torno a ellos. Manifestó el artista a uno de sus críticos: “Lo que más me interesó, y lo que dio la dirección maestra del cubismo, fue la materialización de ese espacio nuevo que yo sentía.”

Ecos de un grito - David Alfaro Siqueiros

Museo de Arte Moderno de Nueva York  
1937 
Esmalte sobre madera 
121,9 x 91,4 cm.

David Alfaro Siqueiros se presenta como el artista instintivamente atraído por cuanto represente lucha de clases, polémica social y erotismo. Su estilo realista se halla influido por la cinematografía. Sobre un escenario desolado, cubierto de detritus que sugiere que el lugar ha sido arrasado por la bomba atómica, aparece un niño de rasgos negroides. Su cabeza está ampliada una segunda vez, en un primer plano patético.

Dos desnudos - Pablo Ruiz Picasso

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1906
Óleo sobre lienzo
151,3 x 93 cm.

Corresponde este lienzo a la vertiente picassiana que se halla inspirada por el clasicismo antiguo. A pesar de su reducido tamaño, traducen las representaciones un deseo de gigantismo que es el rasgo más característico de este período. El canon y concepto anatómico de las figuras no guardan, sin embargo, relación alguna con los postulados del arte antiguo. Parece como si el autor hubiese querido demostrar la posibilidad de lo imposible, es decir, la posibilidad de crear belleza a partir de formas aberrantes. Y que la forma es el protagonista de la obra lo demuestra el hecho de que ésta se halle entonada en gamas rosadas, casi monocromáticas, con objeto de no distraer la atención del espectador de la esencial calidad representativa del cuadro. Por último, hay que señalar que el rostro del desnudo de la izquierda constituye un trasunto de los que Picasso pintó en su fase precubista, por ejemplo en Las señoritas de Avignon, si bien transformado gracias al tratamiento mórbido de los volúmenes por medio del claroscuro.

La persistencia de la memoria - Salvador Dalí

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1931
Óleo sobre lienzo
24 x 33 cm.

Este cuadro es un ejemplo ilustrativo de la teoría de la “paranoia crítica” de Salvador Dalí. Se trata de la representación de imágenes suscitadas por la libre asociación de ideas, a partir de formas originadas por el azar. Los precedentes pueden hallarse en Piero di Cosimo o en Leonardo da Vinci. Formalmente, el cuadro presenta el estilo minucioso y realista, servido por una técnica precisa que permite los efectos de trompe l’oeil, la disolución y la deformación de los objetos. Los “relojes blandos” que en él aparecen tendrán continuidad en la obra daliniana, y serán asimismo realizados como objeto real y funcional treinta años más tarde. André Breton se permitió también, como en el caso de Brauner, “excomulgar” al pintor, lo que resulta injustificado a todas luces, puesto que su arte procede efectivamente de la estética surrealista y de un subconsciente que se halla bajo el signo de la imaginación, el erotismo, el sadismo y la escatología.

Crucifixión - Salvador Dalí

Museo Metropolitano de Arte Nueva York
1954
Óleo sobre lienzo
194´5 x 124 cm.

El interés de Dalí por la mística le lleva a pintar varias crucifixiones entre las que destaca esta Crucifixión de 1954, en la que se mezclan influencias de Zurbarán y el Tratado de la figura cúbica, texto de geometría cabalística escrito en el siglo XVI por Juan de Herrera, arquitecto de El Escorial, en el que el cuerpo de Cristo se convierte metafísicamente en el noveno cubo. Un “sueño cósmico” reveló a Dalí que el núcleo del átomo, la unidad misma del universo, es Cristo. El tenebrismo barroco se conjuga a la perfección en esta obra con su habitual paisaje de amplios horizontes desolados sobre el que flotan ingrávidos el cuerpo de Cristo y la Cruz. Rompiendo esta inercia, a la izquierda, la figura de Gala, como María, aporta un punto de apoyo a la obra.

Ángelus de Gala - Salvador Dalí

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1935
Óleo sobre tabla
32.4 x 26.7 cm.

Salvador Dalí conoce a Gala en 1929, tras el período surrealista. Gala es la mujer de Paul Eluard, y el encuentro provoca un giro radical en la vida del artista. Dalí le declara su amor y ella se convierte en su musa inspiradora y en la protagonista de numerosos retratos. La adhesión a un estilo realista es, como en Magritte, solo un pretexto para afrontar temas típicos del surrealismo, como el inconsciente o el doble, un medio para acentuar la sensación de extrañamiento y turbación y proyectar la escena en una dimensión onírica. El artista adopta una técnica pictórica que plasma minuciosamente la realidad, pero un elemento altera de manera radical la percepción de la obra introduciendo un componente de irracionalidad. La figura femenina, de hecho, está desdoblada: en primer plano aparece de espaldas, mientras que el rostro y las manos pueden verse en su doble, que aparece frente a ella en segundo plano. Paredes desnudas, a excepción de la presencia de un cuadro enmarcado: el Ángelus de Millet, en el que dos labradores han interrumpido sus labores para rezar el ángelus.

Pintura - Francis Bacon

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1946
Óleo sobre lienzo
198 cm × 132 cm

Se reconoce en el lienzo una figura de aspecto clerical, cobijada bajo un paraguas, ante un fondo del que cuelgan las dos mitades de un buey descuartizado, clara alusión a la pintura de Rembrandt. En el ficticio espacio del primer término aparecen otros restos de animales descuartizados sobre una especie de barandilla semicircular, El cuadro pretende conmocionar al espectador, escandalizarle en lo más íntimo de su sensibilidad. Bacon adopta una actitud existencialista, dado que trata al individuo en su aislamiento más total.