Tocador de mandolina - Georges Braque

Museo de arte moderno de Nueva York
1912
Óleo sobre lienzo
116,2 x 80,9 cm.

Corresponde a la primera etapa cubista de Georges Braque, que se ha dado en denominar “analítica” o “hermética”. Se caracteriza el cuadro por el sentido de monumentalidad que preside la composición, la cual por otra parte, resulta absolutamente indescifrable. Las formas han sido despiezadas en facetas menudas y de luminosidad vibrante, que sugieren la visión simultánea, a través de un prisma, del mismo objeto. Los volúmenes se reducen a una geometría de ángulos agudos y de acentos curvilíneos apenas perceptibles. Gracias a la utilización de un toque divisionista, la superficie del cuadro es, a la vez, homogénea y variada. Todo ello confirma la preocupación de Braque por describir el espacio que existe entre los objetos y en torno a ellos. Manifestó el artista a uno de sus críticos: “Lo que más me interesó, y lo que dio la dirección maestra del cubismo, fue la materialización de ese espacio nuevo que yo sentía.”

Ecos de un grito - David Alfaro Siqueiros

Museo de Arte Moderno de Nueva York  
1937 
Esmalte sobre madera 
121,9 x 91,4 cm.

David Alfaro Siqueiros se presenta como el artista instintivamente atraído por cuanto represente lucha de clases, polémica social y erotismo. Su estilo realista se halla influido por la cinematografía. Sobre un escenario desolado, cubierto de detritus que sugiere que el lugar ha sido arrasado por la bomba atómica, aparece un niño de rasgos negroides. Su cabeza está ampliada una segunda vez, en un primer plano patético.

Dos desnudos - Pablo Ruiz Picasso

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1906
Óleo sobre lienzo
151,3 x 93 cm.

Corresponde este lienzo a la vertiente picassiana que se halla inspirada por el clasicismo antiguo. A pesar de su reducido tamaño, traducen las representaciones un deseo de gigantismo que es el rasgo más característico de este período. El canon y concepto anatómico de las figuras no guardan, sin embargo, relación alguna con los postulados del arte antiguo. Parece como si el autor hubiese querido demostrar la posibilidad de lo imposible, es decir, la posibilidad de crear belleza a partir de formas aberrantes. Y que la forma es el protagonista de la obra lo demuestra el hecho de que ésta se halle entonada en gamas rosadas, casi monocromáticas, con objeto de no distraer la atención del espectador de la esencial calidad representativa del cuadro. Por último, hay que señalar que el rostro del desnudo de la izquierda constituye un trasunto de los que Picasso pintó en su fase precubista, por ejemplo en Las señoritas de Avignon, si bien transformado gracias al tratamiento mórbido de los volúmenes por medio del claroscuro.

La persistencia de la memoria - Salvador Dalí

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1931
Óleo sobre lienzo
24 x 33 cm.

Este cuadro es un ejemplo ilustrativo de la teoría de la “paranoia crítica” de Salvador Dalí. Se trata de la representación de imágenes suscitadas por la libre asociación de ideas, a partir de formas originadas por el azar. Los precedentes pueden hallarse en Piero di Cosimo o en Leonardo da Vinci. Formalmente, el cuadro presenta el estilo minucioso y realista, servido por una técnica precisa que permite los efectos de trompe l’oeil, la disolución y la deformación de los objetos. Los “relojes blandos” que en él aparecen tendrán continuidad en la obra daliniana, y serán asimismo realizados como objeto real y funcional treinta años más tarde. André Breton se permitió también, como en el caso de Brauner, “excomulgar” al pintor, lo que resulta injustificado a todas luces, puesto que su arte procede efectivamente de la estética surrealista y de un subconsciente que se halla bajo el signo de la imaginación, el erotismo, el sadismo y la escatología.

Ángelus de Gala - Salvador Dalí

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1935
Óleo sobre tabla
32.4 x 26.7 cm.

Salvador Dalí conoce a Gala en 1929, tras el período surrealista. Gala es la mujer de Paul Eluard, y el encuentro provoca un giro radical en la vida del artista. Dalí le declara su amor y ella se convierte en su musa inspiradora y en la protagonista de numerosos retratos. La adhesión a un estilo realista es, como en Magritte, solo un pretexto para afrontar temas típicos del surrealismo, como el inconsciente o el doble, un medio para acentuar la sensación de extrañamiento y turbación y proyectar la escena en una dimensión onírica. El artista adopta una técnica pictórica que plasma minuciosamente la realidad, pero un elemento altera de manera radical la percepción de la obra introduciendo un componente de irracionalidad. La figura femenina, de hecho, está desdoblada: en primer plano aparece de espaldas, mientras que el rostro y las manos pueden verse en su doble, que aparece frente a ella en segundo plano. Paredes desnudas, a excepción de la presencia de un cuadro enmarcado: el Ángelus de Millet, en el que dos labradores han interrumpido sus labores para rezar el ángelus.

Pintura - Francis Bacon

Museo de Arte Moderno de Nueva York
1946
Óleo sobre lienzo
198 cm × 132 cm

Se reconoce en el lienzo una figura de aspecto clerical, cobijada bajo un paraguas, ante un fondo del que cuelgan las dos mitades de un buey descuartizado, clara alusión a la pintura de Rembrandt. En el ficticio espacio del primer término aparecen otros restos de animales descuartizados sobre una especie de barandilla semicircular, El cuadro pretende conmocionar al espectador, escandalizarle en lo más íntimo de su sensibilidad. Bacon adopta una actitud existencialista, dado que trata al individuo en su aislamiento más total.